Maxwell Sterling: música narrativa y la lengua de los ángeles

Originario de Mánchester, Maxwell Sterling –hijo de Linder Sterling, artista visual y exlíder del grupo post-punk de finales de los 70 Ludus– se graduó en la universidad Leeds College Of Music. Después se mudó para estudiar en la Universidad de California en Los Ángeles. Allí pasó cinco años y trabajó en bandas sonoras para cine, televisión, danza y arte multimedia. A día de hoy reside en Londres y ha publicado tres álbumes que no han dejado indiferente a la crítica internacional: “Hollywood Medieval” (Memory No. 36 Recordings, 2016), “Laced With Rumour. Loud-Speaker Of Truth” (Ecstatic, 2020) y el reconocido “Turn Of Phrase” (AD 93, 2021), donde colabora con la pionera del trip hop Leslie Winer. Desde su aparición en el festival MIRA de 2021, Sterling ha despertado una fascinación que borda la obsesión en el público español con gusto por los sonidos insólitos y sofisticados. En compañía de su música, los paseos por el bosque y los trayectos en coche se convierten en un viaje psicodélico para enterrarte lentamente en oxitocina.

Sterling publicó el 14 de enero –en casete de edición limitada y a través de Bandcamp– su nueva colaboración con la cantante Martha Skye Murphy, que se titula “Distance On Ground”. Dos pistas de más de ocho y diez minutos, conceptualizadas como música de viaje. De hecho, estas se acompañan de una página web donde el oyente puede viajar por paisajes rurales y urbanos al tiempo que escucha. Las dos composiciones proceden de sesiones en vivo que duraron varias horas y fueron editadas a posteriori, y tienen un efecto profundamente hipnótico. “Nos encontramos entrando en estados de trance durante las improvisaciones”, afirma Sterling vía correo electrónico. La geografía y el movimiento son conceptos vinculados a su proceso de creación desde su debut. “Siento que cada lugar tiene una tonalidad y un ritmo que se puede descubrir”. Con todo ello en mente, hablamos de este lanzamiento, de proyectos anteriores y de perspectivas musicales, sociales y políticas.

¿Cómo conociste a Martha Skye Murphy y cómo se produjo la colaboración?

Nos conocimos a través de Warp Publishing después de uno de los primeros confinamientos y me hizo pensar en lo bueno que era volver a hacer música con alguien en la misma habitación. La pandemia ha promovido las colaboraciones virtuales, pero aún no están a la altura de la experiencia visceral de estar en la misma habitación que alguien, poder compartir las mismas ideas, reaccionar al espacio físico compartido y a la energía.

Ambas pistas tienen una gama de lo que parecen ruidos y sonidos de la vida real. ¿Su inclusión tiene un significado simbólico?

Estábamos muy interesados ​​en no editar los sonidos que se filtraban en los micrófonos presentes en la sala. Por un lado, esto ayuda a conservar un acabado improvisado y no demasiado pulido. Sin embargo, lo que es más importante, estos sonidos diegéticos se convierten en un indicador para el oyente de las reverberaciones “reales” del espacio, mientras los clics del pedal de la guitarra y el murmullo vocal funcionan como transiciones musicales.

Tu obra está muy ligada al mundo visual y cinematográfico. ¿Es esto algo que sabías que te interesaba desde el principio o simplemente surgió de esa manera?

Siempre me ha interesado la narración de historias. De niño pasaba mucho tiempo dibujando en lugar de hacer música. Cuando conseguí “MTV: Music Generator 2” (2001) en PlayStation fue cuando comencé a enamorarme de hacer música. Pienso en términos bastante visuales cuando creo música y disfruto mucho tener que hablar en metáforas cuando colaboro con artistas visuales y hemos de crear nuestro propio lenguaje juntos.

Hablemos sobre tu álbum “Turn Of Phrase”. En la primera canción, “Eris”, podemos escuchar un canto gregoriano que se rompe y se distorsiona hasta el punto de que no podemos estar seguros de qué sonidos son orgánicos y cuáles son sintéticos. Eso me encanta. Y creo que es porque siento que es un ejemplo veraz de hacia dónde nos dirigimos con respecto a la historia de la humanidad, un punto en el tiempo donde la realidad artificial tiene la misma importancia que la realidad misma y donde el pasado, el presente y el futuro parecen fusionarse. ¿Estabas tratando de expresar eso?

¡Me encanta esa descripción! Sí, por un lado eso es lo que estaba tratando de expresar. Por el otro, en términos más estilísticos, me atrae este Diagrama de Venn musical, inventado, entre canto gregoriano, grunge, jazz modal y minimalismo, con el común denominador del uso del intervalo musical de quintas paralelas, que tienen una cualidad desnuda que es, a la vez, estridente pero fuerte, abierta y atemporal.

Tengo una teoría que vincula tu canción “Decay Time” con muchos de los proyectos que se presentaron en Barcelona en el festival MIRA 2021, donde te vi actuar por última vez. Sentí que algunos artistas en MIRA, como nara is neus o James Ferraro, jugaron con la idea de un futuro tecnológico donde la sociedad entra en decadencia y tiene que reinventarse. A pesar de su título, se siente como una melodía muy esperanzadora. Me hace pensar que algunas personas, sabiendo que nuestro estilo de vida es insostenible, ven en el proceso de decadencia o incluso destrucción la esperanza de un futuro mejor. ¿Compartes ese sentimiento?

Sí, quería que hubiera optimismo en esta pista y, lo que es más importante, en este punto del arco narrativo del álbum en su conjunto. Sin decadencia y desintegración no podemos crecer y aprender y ese fue un pensamiento impulsor detrás de todo el disco. Me gusta la idea de que, a medida que algo se descompone, se vuelve más granuloso y pequeño, por lo tanto es más fácil fusionarse con otra materia, quizá más antigua. Esta mezcla anacrónica es algo que traté de llevar al sonido en todo momento.

Me gusta mucho cómo los diferentes sonidos comienzan y se mueven de un ángulo a otro, a veces muy intensamente, creando un subidón de adrenalina. Supongo que no es tecnología inmersiva 8D. ¿O lo es?

Para mí, la espacialización es muy importante en términos de una técnica de composición en lugar de solo una técnica de producción. En este disco a menudo la panoramización se vuelve tan rápida que se mueve a la velocidad del audio. Es decir, se escucha otra nota en lugar de solo movimiento. Me gustó este proceso aditivo y siento que es una forma de colorear el sonido y el ritmo de una manera más psicoacústica.

¿A qué hace referencia el título del tema “Speaking In The Tongues Of Angels”?

Esta canción en particular nació de mi fascinación con un montón de noticias de televisión sobre personas con “don de lenguas”. Hay algo absurdo en ello, pero también cierta belleza, cuando la voz trasciende el lenguaje y se convierte en este instrumento extraño y matizado que supuestamente puede comunicarse con un dios. Mucho del audio grabado proviene de eso.

¿Qué fue más enriquecedor para ti, tu tiempo en Leeds o en Los Ángeles?

Ambas ciudades me dejaron huella. En Leeds estudié jazz y en Los Ángeles, música de cine. La música de jazz se enfoca en lo inmediato y lo que sucede en el momento, mientras que la música de cine es mucho más una manipulación del momento y de las emociones. Me gusta pensar que ambas disciplinas están presentes en mi música, al igual que las dos ubicaciones geográficas.

Voy a decir algo que puede ser controvertido: creo que una sociedad que no tiene salud universal está condenada a ser profundamente miserable. ¿Cómo vive un europeo esta realidad en Los Ángeles?

Estoy totalmente de acuerdo con eso, la asistencia sanitaria universal es algo que no debemos dar por sentado en Europa. Tuve la suerte de tener Obamacare (acceso a la reforma de asistencia sanitaria en Estados Unidos impulsada por el gobierno de Barack Obama) mientras vivía en Los Ángeles. Era mucho más asequible que la mayoría de los seguros, pero no es la solución final. Un europeo nunca puede relajarse completamente en los Estados Unidos sabiendo que no tiene un seguro completo. Conozco a muchos amigos que han tenido que abandonar el país debido a estos problemas.

¿En qué proyectos estás trabajando?

Tengo varias ideas en marcha que lamentablemente no se pueden hacer públicas en este momento, desde trabajo cinematográfico hasta la producción de un disco para uno de mis ídolos. Lo que puedo compartir es que terminaré mi cuarto LP este año y colaboraré con el artista visual Stephen McLaughlin, con el músico Kenichi Iwasa y con Death In Vegas. Además de un single de siete pulgadas con Leslie Winer, que saldrá en el sello Light In The Attic esta primavera y es algo muy importante en mi corazón. ∎